Adelaida García Morales y el personaje de Agustín

Hoy he leído que la escritora Elvira Navarro ha publicado ‘Los últimos días de Adelaida García Morales’ y han venido a mi memoria, en ese momento, la película ‘El Sur’ y ‘El laberinto de las sirenas’. Acerca de la película ya realicé un comentario en mi blog y sé que cuando leí ‘El silencio de las sirenas’ me cautivó ese intimismo y universo femenino que mostraba  en sus páginas. En ambos relatos aparecían Las Alpujarras y el personaje de Agustín.

Elvira Navarro ha publicado ‘Los últimos días de Adelaida García Morales’. Se trata de un relato, en clave de ficción, de las jornadas que precedieron a la muerte de la escritora. Poco antes de su muerte, García Morales acudió a una delegación de Igualdad pidiendo cincuenta euros para poder visitar a su hijo en Madrid. Inspirándose en esta anécdota “real” o “ficticia” la novela denuncia, entre otros temas, el tratamiento que las instituciones/poder dan a los expulsados del Paraíso y el olvido por parte de la comunidad intelectual. No se trata tampoco de una denuncia feminista porque aunque las narraciones de Adelaida mostraran una profunda sensibilidad femenina es solo un espejo del por qué una persona puede pasar del éxito al fracaso. ¿Qué circunstancias se dieron? De hecho, el personaje de la concejala es el del “político”, no es retratado por razón de su sexo.

 
La concejala (de ficción) que atiende a la escritora no sabe quién es Adelaida García Morales, “hace años que apenas lee” y solo la interesa el rédito político que la otorgue “salir en la foto”, el problema personal y social la trae sin cuidado.

El talento literario de la escritora Adelaida García Morales es conocido a través de la película ‘El Sur’ dirigida por Víctor Erice, su entonces pareja. Su relato había servido de inspiración al filme, y el éxito de la cinta dio a García Morales la posibilidad de publicarlo en la editorial Anagrama. Pocos meses después, su novela 'El silencio de las sirenas' ganó el premio Herralde y también el Premio Ícaro por (instituido por el Diario 16), logrando, a través de muchas ediciones vendidas, el reconocimiento nacional e internacional.

El silencio de las sirenas (1985)

La historia de la novela (dedicada a Víctor) transcurre en las Alpujarras, un espacio geográfico de gran belleza natural, situado entre las provincias andaluzas de Granada y Almería en España. Adelaida García Morales vivió, retirada, durante cinco años en una de las aldeas.

La sinopsis del libro señala: "Me siento subida a una extraña plataforma aérea, lanzada ya hacia la muerte. Y tú, Agustín, me destruyes. Mira cómo me haces enfermar: débil por ti, enloquecida por ti, que sólo me das tu silencio. Pero ya he aprendido a escuchar tu voz sin que me hables, y eso es lo peor. Pues ahora sé que tu silencio no es silencio, ni tu indiferencia, indiferencia. O quizá sólo sea mi esperanza disparatada que me hace inventar un fantasma, tú, con los sentimientos que deseo."

El silencio de las sirenas, ilustra la reacción de Ulises, que se tapa los oídos para no escuchar el canto/llamada de las sirenas. La autora trata en la novela temas tan diversos como la muerte, el hipnotismo, la reencarnación, la fantasía, lo sobrenatural o la fatalidad del amor romántico. Utiliza unos referentes culturales claves para entender la historia que aparece al inicio de la obra, representada en los objetos que Elsa lega a María tras su muerte.

El silencio de las sirenas es una obra breve que narra el delirio de la protagonista, una mujer enamorada de Agustín Valdés, un hombre que vive en Barcelona. Elsa crea una historia amorosa propia que crece en su interior imaginando un amante que no es real. María, una maestra que da clases en la aldea en la que vive Elsa, es la narradora de esta historia que finaliza en tragedia, un amor imposible que matará a la protagonista.

La Zarzuela habita en el cajón del olvido

Muchos jóvenes no saben qué es una zarzuela. Se trata de un teatro musical que contiene una parte hablada y otra musical. Surge en España  y el equivalente francés sería la opereta. Se distingue de la ópera italiana por los diálogos, esa parte hablada que no presenta la ópera. Mis padres eran muy aficionados a este género y yo recuerdo ver en Televisión española, en los años 70, unas maravillosas zarzuelas como ‘La revoltosa’, ‘Bohemios’, ‘La Canción del Olvido’, ‘El huésped del sevillano’ y ‘El Caserío’.

En los libretos abundaba el género costumbrista , regionalista y popular que seguía un patrón similar en todas ellas: números hablados, cantados, coros, que se aderezan con escenas cómicas o de contenido amoroso que, generalmente, son interpretadas por un dúo.

Ya he señalado que televisión produjo una serie de zarzuelas interpretadas por conocidos actores del momento, tales como José Moreno, Antonio Casal, Juan Luis Galiardo, María Cuadra y María José Alfonso) que presentaban la imagen de los personajes principales y eran doblados en la parte musical (playback) por artistas líricos de reconocido prestigio como Alfredo Kraus o Luis Sagi Vela. Juan de Orduña dirigió muchas de ellas y se emplearon, en lo posible, escenarios naturales para la grabación de las mismas, lográndose obras de notable calidad, especialmente en el apartado musical. Con este sistema se grabaron, por ejemplo:

• La revoltosa (1969), con José Moreno y Elisa Ramírez como actores.
• Bohemios (1969), interpretada por Antonio Durán y Dianik Zurakowska.
• La canción del olvido (1969), con Juan Luis Galiardo y María Cuadra.
• El huésped del sevillano (1970), con Rubén Rojo, María José Alfonso y María Silva.
• El caserío (1972), interpretada por Armando Calvo y Paca Gabaldón.

En los últimos años de 1970 se reaviva el interés por la zarzuela, en especial por su música. En toda Europa se desencadena un renacer de la afición por los espectáculos líricos, sobre todo entre la juventud. Este renacimiento repercute en España que muestra un gran interés por la zarzuela. El empresario José Tamayo pone en escena un espectáculo teatral de gran producción hacia tiempo olvidado, Antología de la zarzuela, representando los fragmentos más populares del repertorio de zarzuela moderna con cantantes de primera línea.

El Caserío

Las costumbres, el día a día, el folclore y la idiosincrasia vasca quedan reflejados en la obra. El caserío familiar es el depositario de los valores ancestrales. Santi, marchó a América en busca de fortuna. El indiano regresa a la aldea con sus ambiciones colmadas y trata de reencontrase con la mujer a la que tanto amó antes de partir.

Plácido Domingo y el grupo Mocedades lograron una versión magnífica de ’Maitechu mía’, tema de ‘El Caserío’.

 
                 

Édith Piaf o “la vida no es color de rosa”

Resulta curioso que la musa del existencialismo sea una mujer que parece un personaje extraído de la literatura naturalista. Es un personaje de la novela ‘Germinal’ de Zola; desgraciados que están determinados desde el momento del nacimiento a todo tipo de calamidades como si fuera un folletín.

Edith Piaf nace en París (1915). Su padre era acróbata, y la borrachera que pilló el día de su nacimiento obligó a la madre  a afrontar el parto sola. Sin tiempo para llegar al hospital, en plena calle, debajo de una farola comienza la vida de esta genial cantante francesa.

Su infancia no puede ser más desgraciada. Abandonada por los padres es, finalmente, recogida por la abuela paterna que regenta un prostíbulo, solo se ocupan de ella las prostitutas de la casa.

Luego es recogida por su padre que la lleva de artista ambulante llevando una vida miserable. A los catorce años se independiza de su progenitor y comienza a cantar en Pigalle.

A los diecisiete años se enamoró de un chico de los recados con el que tuvo una hija que murió a la edad de dos años de meningitis.

De la mano del compositor Raymond Asso  entra en el mundo del Music Hhall y comienza a ser una estrella de la canción francesa. Durante la ocupación alemana, la cantante cambia su nombre artístico de “La Môme Piaf" por el de "Edith Piaf" y continúa dando conciertos y, a su vez, ayudando a los artistas judíos, perseguidos por las autoridades alemanas. Ella es parte de La Resistencia Francesa. Su vida ha sido una constante lucha y sufrimiento y quizás por eso es una sobreviviente que acabada la II Guerra Mundial es capaz de cantar ‘La vie en rose’.

      

Tras su muerte a los 48 años de edad y después dehaber alcanzado fama mundial, su amigo el cineasta Jean Cocteau manifestó: "Nunca he conocido un ser más desprendido de su alma. Ella no entregaba su alma, ella la regalaba, ella tiraba oro por las ventanas”.

Numerosas canciones de su repertorio francófono nos ha sido legado: La vie en rose, Non, je ne regrette rien, Milord, Hymne à l'amour o Mon légionnaire.

     

      

El color negro de los existencialistas

En los cafés de París de finales de la década de 1940 y principios de la de 1950 se reunían los intelectuales y artistas. Era la época del jazz, la poesía intimista de Jacques Brel y George Brassens  y la vestimenta negra del existencialismo. Édith Piaf y Juliette Grecó fueron las musas del Barrio Latino. La primera, una mujer fea con una voz maravillosa que sufrió desde su nacimiento y que antepuso el sentimiento al conocimiento; la segunda, una hembra  distante, libre y algo “fatal”. El color negro ha representado a los ácratas y a los existencialistas porque ambos defienden el individualismo a ultranza. Los liberales, también, pero desde una perspectiva práctica y nunca romántica como los anteriores.

Se atribuye a Jean Paul Sartre  la adopción del término “existencialista” para describir su filosofía. La doctrina central es que” la existencia” precede a” la esencia”. Es decir, no hay una naturaleza humana que determine a los individuos, sino que son sus actos los que determinan quiénes son y el significado de sus vidas. Esto conduce al ser  humano a la creación de una ética de la responsabilidad individual, apartada de cualquier sistema de creencias externo a él.

Sin embargo, la paternidad del existencialismo es atribuida a kierkegaard (al que leen los humoristas Faemino y Cansado) para desplegar sus historias absurdas con una gran dosis de vitalidad castiza/Carabanchel. Sucede que los currantes no hemos sintonizado con ese movimiento, no hemos tenido tiempo para plantearnos tales diatribas pues debemos  trabajar 8,9,10,11, 12 horas para poder comer y vivir de una manera absurda...pero contemplando la belleza de la naturaleza y disfrutando de los seres vivos (personas, animales y plantas) y parafraseando a Serrat  “antes que nada soy... partidario de vivir”.

Soren Kierkegaard

La infancia de Kierkegaard está marcada por su padre - al igual que Kafka –, descendiente de un hombre muy religioso/luteranismo, poca gracia para encontrar un lado bueno a la vida en una religión muy estricta y dada a las iras de Dios, al llanto y al trabajo.

No obstante, sí comparto con él la visión que “para tener verdadera fe en Dios, uno también tendría que dudar de su existencia; la duda es la parte racional del pensamiento de la persona, sin ella la fe no tendría una sustancia real. Creer o tener fe en Dios es saber que no hay un acceso perceptual ni de ningún otro tipo a él, y aun así tener fe”.

 La segunda idea sería que “la subjetividad es verdad” en esa relación del yo con el mundo. En este punto recuerdo un artículo de M.J de Larra que recriminaba a otro que su dolor solo estaba en su imaginación. El otro, reaccionó dándole una somanta de palos y le gritaba: “El dolor es subjetivo, está solo en su imaginación”. Por supuesto que ahonda en puntos muy serios, sobre todo, en la religión:

- Las congregaciones de la Iglesia hace que los individuos sean como niños, ya que los cristianos son reacios a tomar la iniciativa a la hora de asumir la responsabilidad de su propia relación con Dios.
- El cristianismo se había secularizado y politizado
- El cristianismo se convierte en una religión vacía, cada individuo se ha convertido en cristiano sin saber lo que ello significa.
- Atacando la incompetencia y la corrupción de la iglesia cristiana, Kierkegaard parece anticiparse a filósofos como Nietzsche, el cual continuará criticando esta religión.

Por otro lado, nunca existió un acuerdo general sobre la definición de existencialismo. Así observamos un existencialismo cristiano, un existencialismo agnóstico (Heidegger), y un existencialismo ateo (Sartre).

En España el mejor exponente del existencialismo cristiano sería un escritor sensacional como Miguel de Unamuno que tomó del filósofo danés las nociones de angustia, desesperación y la importancia del individuo y que, a su vez, dijo alguna tontería atroz como “el que inventen ellos” (los países avanzados en  el campo científico y técnico) en relación a la poca consideración que tenía del positivismo.

Jean Paul Sartre

El primer principio del existencialismo es que el ser humano está "condenado a ser libre" y es responsable plenamente de su vida. Aunque admite algunos condicionamientos (culturales, por ejemplo), no admite determinismos. Así, llegó a declarar que cada francés era responsable colectivamente de los crímenes durante la Guerra de Independencia de Argelia. Esa tesis tendría cierta validez en el contexto social (yo mantengo que cada pueblo tiene el Gobierno que se merece). Sin embargo, nunca desde un contexto individual que tanto proclama el existencialismo.

Su novela ‘La naúsea’ y ‘El ser y la nada’ son sus obras más conocidas. Compartiendo algunos puntos con otro escritor existencialista, Albert Camus, Sartre llega a la conclusión de que la vida del hombre está  vacía. Frente a esta constatación, el hombre que se da cuenta de esta evidencia siente profundamente una sensación de repugnancia, de náusea, como lo dice el título de la obra. En pocas palabras;” progreso, pasión futura, etc., no son más que ilusiones (…) Después de ello, el desfile vuelve a comenzar, nos acomodamos a hacer la adición de las horas y de los días. Lunes, martes, miércoles, abril, mayo, junio, 1924, 1925, 1926: esto es vivir"(…) “porque sólo viviendo absurdamente se puede seguir vivo”.

En su obra teatral ‘Manos sucias’ examinaba el problema de ser un intelectual y participar en la política al mismo tiempo. En este período simpatiza con las ideas comunistas y presenta la tensión entre obreros e intelectuales dentro del propio partido. Se mostró crítico con el estalinismo aunque, posteriormente, abrazó las ideas maoístas y defendió La Revolución Cultural que persiguió a los intelectuales burgueses. Por otro lado, durante la Guerra de los Seis Días se opuso a la política de apoyo a los árabes para defender al estado de Israel. Se ha dicho que era un admirador del kibutz y, en ese sentido, se acerca al socialismo utópico, a los románticos y a  los posmodernos.

María Dolores Pradera “Mis canciones nunca están de moda igual que mi ropa”

Ha sido calificada como “La gran señora de la canción” por su elegancia dentro y fuera del escenario. Una mujer dotada de distinción en todas las facetas humanas y artísticas. Una voz grave y un movimiento armonioso en sus manos que junto a su cabellera rubia, piel blanca y esbeltez la han otorgado un semblante aristocrático dentro de una personalidad delicada y humilde y es que María Dolores es demasiado inteligente, culta y “señora” para no confundir  la distinción con la arrogancia, ni con la cursilería.

Nace en Madrid y comienza trabajando en cine y teatro. En ese ambiente conoce  al actor Fernando Fernán Gómez con el que contrae matrimonio, tiene dos hijos y se divorcian.

Finalmente, optaría por la faceta musical convirtiéndose en la primera española en cantar en el Royal Albert Hall de Londres y actuando también en el Madison Square Garden de Nueva York.

Su éxito y fama mundial se debe a la difusión de la música popular hispanoamericana (boleros, rancheras, habaneras huecas, milongas y sambas), Portugal (fado) y la canción española (copla).

Algunas de sus versiones más populares son: Amarraditos, La flor de la canela, Fina estampa, Limeña o El rosario de mi madre.

           

El cantautor Carlos Cano, en su disco ‘El color de la vida’ interpreta un tema precioso que está compuesto y dedicado a ‘María Dolores’.

Con esa delicadeza propia de una golondrina,
ahí viene la flor más fina, la rosa más perfumada,
Del jardín de la ilusión, donde la cultiva el alma,
entre cantos de habanera, huecas, milongas y sambas.

Actualmente, ha abandonado los escenarios pero los “clásicos” siempre quedan.

          
   

¿Por qué se mató Carla?

Una niña de 14 años que estudiaba 2º de la ESO se levantó un 11 de abril del 2013 y se lanzó desde el acantilado de La Providencia, en Gijón (Asturias). Antes del suicidio, Carla se autolesionaba y su rendimiento escolar bajó de los notables a los insuficientes y es que estaba sufriendo acoso escolar, pero ella guardaba silencio y se comía su dolor sin advertir a sus padres.

El periódico El Mundo accedió al atestado policial, a los testimonios de las menores que fueron a declarar a comisaría, a la documentación interna del colegio Santo Ángel de la Guarda donde estudiaba y a los mensajes que se intercambiaron sus compañeras en las redes sociales que frecuentaba la niña en los días posteriores a su muerte.

Algunos de los mensajes eran estos:

"Yo sí, me metí con ella, le pegué, nos pegamos, pero, ¿ fui la única persona acaso? Creo que no, eh, hay mucha gente más que ahora no da la cara, que hizo lo mismo, incluso peor que yo".

Un  testimonio que una alumna realizó en la comisaría apuntaba:

"La menor indica que a raíz de hacerse pública su condición de bisexual (...) comenzaron a meterse con ella, llegando a insultarla con frases tipo: bollera, virola [bizca] y otras frases similares, e incluso en una ocasión le arrojaron agua procedente de los baños. (...) Ella no entendía por qué estas personas se metían con ella si nunca les había hecho nada".

Tras el suicidio de Carla, el Juzgado de Instrucción número 3 investigó de oficio lo ocurrido descartando el homicidio y trasladando el caso a la Fiscalía de Menores de Oviedo que descartó el acoso escolar sin tan siquiera llamar a las cinco menores sospechas de bullying. No se rastrearon las redes sociales que tenía la menor, no se investigó el portátil de Carla, no se hizo absolutamente NADA.

En España, el acoso escolar no está tipificado como un delito. En la práctica es muy complicado lograr una condena contra un menor. De lograrse, suele terminar con trabajos en beneficios de la comunidad.

Archivaron el caso y con  la perseverancia de los padres y nuevas pruebas se reabrió la causa. La pretendida “Justicia” dictó sentencia de castigo a dos  jóvenes acusadas por la muerte de Carla con realizar cuatro meses de trabajo social.

El sistema calla, oculta, se muestra  tolerante con el verdugo e injusto con la víctima. Los sinvergüenzas señalan: “Hay que proteger a los niños”. ¿A las víctimas o a los verdugos?

Sátira, caricatura y melancolía en el cine de Fellini

Hay tres películas de Fellini: ‘La Strada’ (1954), ‘Las noches de Cabiria’(1957) y ‘Amarcord’ (1973) que  son mis favoritas y, sobre todo, ésta última que la traducción en español sería algo similar a ‘Mis recuerdos’.

El prestigio internacional lo ganó a través de esos personajes estrambóticos, circenses que reflejan un mundo esperpéntico de máscaras que, sin embargo, son fácilmente reconocibles. Su lirismo (aficionado a la poesía), a modo de paradoja, no le conduce a un intimismo sino al mundo del espectáculo, a contemplar a la mujer no como un ente idealizado y sí como objeto de deseo. Hay dos excepciones (La strada y Las noches de Cabiria) que solo podían reflejarse en su musa y mujer en la vida real,  Giulietta Masina. Ella representa siempre la inocencia, aunque el personaje de Cabiria represente a una puta barata, pero ingenua y muy buena. (Aquí hay algo de La Dulcinea de Don Quijote).

La Strada (1954)

Cuando Zampanó (Anthony Quinn), un artista ambulante que rompe cadenas, enviuda, compra a Gelsomina (Giulietta Masina), la hermana de su mujer, sin que la madre de la chica oponga la menor resistencia. Pese al carácter violento y agresivo de Zampanó, la muchacha se siente atraída por el estilo de vida nómada, siempre en la calle (la "Strada", en italiano), sobre todo cuando su dueño la incluye en el espectáculo. Aunque varios de los pintorescos personajes que va conociendo en su deambular le proponen que se una a ellos, Gelsomina se mantendrá fiel a Zampanó hasta las últimas consecuencias.

Aunque La Strada pertenezca al cine neorrealista al presentarnos personajes pobres de la vida cotidiana, no nos brinda un final realista. Gelsomina con su amor es capaz de redimir a Zampano y romper esas cadenas de brutalidad que emanaban de su carácter/espíritu.

Las noches de Cbiria (1957)

Cabiria es una prostituta barata que ejerce como tal en uno de los barrios más pobres de Roma. Sueña, sin embargo, con encontrar el amor verdadero, un hombre que la aparte de la calle y a quien pueda entregarse en cuerpo y alma. Su bondad y su ingenuidad la convierten en víctima propicia de sucesivos vividores que se aprovechan de ella, le roban y la golpean. A pesar de sus fracasos, recobra la esperanza una y otra vez. La pobre mujer hace tiempo que ha dejado atrás su juventud y presume de “tener casa propia” aunque parece un cubil. Católica y creyente, Cabiria, se encomienda a San Antonio para encontrar un hombre al que amar y ser amada que la aparte de esa profesión de la que tanto se avergüenza. Sin embargo, su deseo nunca se verá realizado como ocurre en Pretty Woman.

Amarcord (1973)

Es la historia de unos personajes que viven en la ficticia ciudad de Borgo, basada en la ciudad de Rímini, ciudad natal de Federico Fellini, durante el período de la Italia fascista en la década de 1930. La cinta tiene mucho de autobiográfica y bajo la apariencia de una típica película costumbrista vislumbramos la sátira, el esperpento y la melancolía de Fellini.

Tomando como eje central a una familia de clase media en ese entorno provinciano, el hijo adolescente nos va narrando y presentando a los diversos personajes de “esa Vetusta italiana” en la que sus miembros son pintados de una forma caricaturesca para conducirnos a los recuerdos y ensoñaciones de Fellini. A ese despertar al sexo en las imágenes de la estanquera de enormes pechos o en los vaivenes del trasero de la peluquera que hipnotizan a todos los adolescentes; la panda de tunantes que tiene como amigos/incluido el actor del ‘Jaimito no perdona’; los profesores y alumnos del colegio, el cura que pregunta al adolescente en confesión ¿Te tocas?, etc. Un macrocosmos en una pequeña localidad que ve llegar y concluir la primavera. Un año para representar las vivencias de este genial director de cine italiano que declaró: “No hay un final, no hay un principio. Hay solo la infinita pasión de la vida”.